jueves, 28 de noviembre de 2013

Spirit - The Family That Plays Together (1968)



1. "I Got a Line on You" California 2:39
2. "It Shall Be" 3:24
3. "Poor Richard" 2:31
4. "Silky Sam" 4:57
5. "Drunkard" 2:27
6. "Darlin' If" California 2:27
7. "All the Same" California, Cassidy 4:41
8. "Jewish" California 3:23
9. "Dream within a Dream" 3:13
10. "She Smiles"" 2:30
11. "Aren't You Glad" 5:25
12. "Fog †" California, Locke 
13. "So Little To Say †¹" 
14. "Mellow Fellow †¹" Locke 
15. "Now Or Anywhere †" 
16. "Space Chile †¹" Locke 

† - Temas de la reedición de 1996 

¹ - Material no editado antes


Spirit
Mark Andes - Bajo, voces
Randy California - Bajo, Guitarra, Voces
Ed Cassidy - Percusión, Batería
Jay Ferguson - Percusión, Teclados, Voces
John Locke - Teclados



Este fue el segundo álbum de Spirit y uno de los mejores de la banda. Aunque la música sigue siendo esencialmente psicodélica, aquí podemos encontrar desde jazz, folk y blues hasta elementos más progresivos e influenciados por la música clásica, lo que sería prácticamente un denominador común en sus primeros cuatro álbumes.
El disco comienza con un tema bastente fuerte y comercial que se convertiría en uno de sus principales éxitos, I Got a Line On You, escrito por Randy California y que nos sirve de introducción para disfrutar de la extraordinaria calidad que se mostrará en el resto de las canciones, la mayoría de las cuales están escritas por Jay Ferguson. Un álbum apasionante en el que predominan las excelentes guitarras de California, aderezadas con arreglos a base de flautas, secciones de metales y cuerdas, donde las diversas influencias psicodélicas y jazz añaden el encanto necesario para transformar esta joya en uno de esos discos imperecederos de la época.
Aunque no podamos decir de este disco que es uno de los grandes clásicos del rock, si que hay algunos temas en él que resultan imprescindibles para conocer las raíces del rock progresivo.
En las actuales ediciones en CD se pueden disfrutar de temas tan buenos como Mellow Fellow o el excelente Space Child, que añaden aún más interés a un disco ya de por sí imprescindible.


Como dato de interés, resaltar que en algún momento después de la primera edición de este disco, las mezclas iniciales se perdieron. Por este motivo los siguientes lanzamientos en CD de Sony y la reciente reedición realizada en vinilo por Sundazed se tomaron de nuevas mezclas a partir de las grabaciones multipistas originales. Por lo que una comparación entre el LP original y las reediciones en CD y vinilo a partir de 1996 son sustancialmente diferentes. Para escuchar el sonido original de este álbum habría que rastrear los antiguos vinilos.





Spirit - The Family That Plays Together (1968) Álbum completo

Track listing:
1. I Got A Line On You (0:00-2:37)
2. It Shall Be (2:38-6:02)
3. Poor Richard (6:03-8:31)
4. Silky Sam (8:32-12:37)
5. Drunkard (12:38-15:19)
6. Darlin' If (15:20-18:58)
7. It's All The Same (18:59-23:41)
8. Jewish (23:42-26:32)
9. Dream Within A Dream (26:33-29:35)
10. She Smiles (29:36-32:07)
11. Aren't You Glad? (32:08-37:47)



Spirit - I Got a Line On You




miércoles, 27 de noviembre de 2013

Galliard - New Dawn (1970)





Cara 1
1. New Dawn Breaking (4:20) 
2. Ask For Nothing (9:02) 
3. Winter-Spring-Summer (5:57) 

Cara 2
1. Open Up Your Mind (3:14) 
2. And Smile Again (4:09) 
3. Somethings Going On (4:54) 
4. Premonition (4:45) 
5. In Your Minds Eyes (6:31)

Galliard
- Andrew Abbott / bajo, segundo vocalista
- Geoff Brown / vocalista, guitarra rítmica
- Dave Caswell / saxo y flauta
- Richard Pannell / guitarra, sitar
- Leslie Podraza / batería
- John Smith / flautas de madera
- Harald Beckett / trompeta, flauta, corneta
- John Hughes / trombón
- Lyle Jenkins / saxofón
- John Morton / teclados
- Tony Roberts / saxofón, flauta
- Tommy Thomas / percusión
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Galliard fue un sexteto formado en el verano del 68 que desarrolló un rock psicodélico liderado por los gemelos Caswell (instrumentistas de vientos) y el cantante Geoff Brown. Grabaron dos discos en el sello Deram (sello subsidiario progresivo de Decca). Su primer disco lanzado en 1969 era bastante ecléctico, y contenía desde flamenco hasta música medieval. Para su segundo trabajo, New Dawn (1970), el instrumentista de viento John Smith se había ido, pero el grupo compartía una sección de metales extraordinaria, compuesta por cuatro músicos, más el teclista Morton. Este segundo álbum suena un poco diferente, pero aún así está más o menos en el mismo estilo musical que su predecesor. Excepto por el hecho de que los horizontes musicales se expanden hacia el folk y la producción es bastante mejor. En general un álbum mucho más completo y un trabajo digno de mención.

El disco fue grabado durante la primera mitad de 1970, por lo que el nombre del álbum, New Dawn (Nuevo Amanecer), podría sugerir un nuevo comienzo. Aunque como mencioné antes, sigue de cerca la dirección marcada en su debut, hay algunos giros extraños en esa ruta musical y encontramos más variedad musical. La mayor parte de los temas fueron compuestos por el cantante y guitarrista Geoff Brown, excepto uno de ellos que es compartido con el recién incorporado John Morton (Open Up Your Mind) y Premonition, compuesto por Dave Caswell.




New Dawn - (Sonido)


Weed - Weed...! (1971)





Temas:
Sweet Morning Light
Lonely Ship
My Dream
Slowin' Down
Before I Die
Weed

Weed
Ken Hensley (vocalista, guitarra, teclados)
Reinhold Spiegelfeld (bajo)
Bernd Hohmann (flauta)
Werner Monka (guitarra)
Rainer Schnelle (teclados)
Peet Becker (bateria)




Tras la grabación de su álbum debut titulado «Revelation» en 1970 la banda alemana Virus (Ger) sufrió la escisión de varios de sus principales miembros. Tanto el guitarrista Werner Monka, como el flautista y vocalista Bernd «Molle» Hohmann, y el bajista Reinhold Spiegelfeld decidieron abandonar el grupo.




A este núcleo de músicos se unen el teclista Rainer Schnelle (quien posteriormente militaría en otras bandas alemanas como Amon Düül II, Atlantis (Ger) o Family Tree y el batería Peet Becker. El quinteto toma el nombre de Weed y entra en el estudio para grabar el que sería su único trabajo, «Weed. …!» (1971), en el que a iniciativa de la discográfica (Phonogram) aparece como colaborador invitado nada más y nada menos que Ken Hensley, el teclista y guitarrista del grupo británico Uriah Heep, quien se encuentra inactivo en ese momento y aprovecha para participar en este proyecto de Weed como ya hiciera en su día con la grabación del disco «Orgasm» (1969) para el grupo/proyecto Head Machine. Hensley contribuyó en el álbum con intervenciones a la guitarra, teclados y voz.



El grupo se disuelve en el mismo año 1971, tras la grabación del disco.

El álbum «Weed…!», pese a su corta duración (33 minutos y solo seis temas) está considerado como una joya del heavy rock progresivo alemán, siendo un tanto excéntrico o marginal a la escena del krautrock de su tiempo debido a la muy acusada influencia británica de su sonido, que experimenta con diversidad de direcciones estilísticas en la línea de otros grupos alemanes como Sperrmüll, Reaction (GER) o Tiger B. Smith. Se ha dicho del álbum que es una mezcla entre Guru Guru y Status Quo.


Weed...! (1971) Álbum completo




* Datos tomados de Last.Fm


jueves, 21 de noviembre de 2013

Thrice Mice - Thrice Mice! (1971)







Rainer von Gosen (bajo)
Werner von Gosen (guitarra)
Arno Bredehöft (batería)
Gerd Adlung (batería)
Hans-Hermann Jäger (órgano)
Karl-Heinz Blumenberg (vocalista, saxo alto, percusión, flauta, guitarra)
Wolfgang Buhre (saxos tenor, alto y soprano, clarinete alto, percusión)
Wolfram Minnemann (órgano, piano, guitarra)


Portada desplegada

Temas:
01. Joe Joe 8:48
02. Vivaldi 11:31
03. Torakov 12:51
04. Fancy Desire 7:56
Bonus Tracks:
05. Drive Me 2:17
06. Pig II 10:52
07. Vivaldi's Revival 7:15
08. Trying 5:06
09. New Life 2:17
10. Dawn 2:54
11. An Invtation 3:08




Thrice Mice era un sexteto de Hamburgo que hacía el típico jazz rock progresivo alemán. Un tipo de música tipificado por bandas underground como Xhol Caravan, Out of Focus, Embryo, etc. El líder de la banda fue Wolfgang Buhre y su música estaba totalmente influenciada por Ian Underwood, de The Mothers of Invention. Otro de los instrumentos que cobran especial protagonismo son los órganos con sonidos más cercanos al hard rock que al jazz. Aquí podemos escuchar una mezcla muy singular de elementos jazz, algunas características de la música clásica y también influencias del rock más pesado que se estaba haciendo entonces. Música muy rítmica, con largas improvisaciones a medio camino entre el hard rock, el blues, el jazz y el soul. Agítese bien este cóctel musical y aquí tenemos el resultado. Una de las primeras bandas originales krautrock, que con el tiempo (después de su disolución en 1972) daría lugar a otra interesante banda como resultó ser Altona.








Joe Joe - Thrice Mice - (1971)



Trakov - Thrice Mice (1971)



Cressida - Asylum (1971)




1. Asylum
2. Munich
3. Goodbye Post Office Tower Goodbye
4. Survivor
5. Reprieved
6. Lisa
7. Summer Weekend Of A Lifetime
8. Let Them Come When They Will

Cressida
- Angus Cullen / voz, guitarra, percusión 
- John Culley / lead guitar 
- Peter Jennings / órgano, piano 
- Kevin McCarthy / bajo 
- Iain Clark / tambores, percusión 
músicos invitados: 
- Harold McNair / flauta 
- Paul Layton / guitarra acústica

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Después de un muy buen primer álbum de debut (comentado en este blog), la factoría de melodías de Cressida editó su mejor trabajo con este disco, Asylum. Estamos ante un maravilloso ejemplo de como se podía hacer rock progresivo (británico) siguiendo unas directrices melódicas y vocales cercanas al sonido de los Beatles y creando pasajes instrumentales en aguas mucho más adentradas en el rock. Todo ello gracias a los sonidos sucios del órgano Hammond y de las guitarras distorsionadas, que sin abandonar en ningún momento la calidad de los arreglos orquestales (violonchelos, trompetas, timbales, etc.) enriquecen enormemente el sonido de esta banda. A muchos les parecerá un grupo preciosista y cursi, pero nada más lejos de la realidad, a mi me parece un grupo dotado de una enorme calidad y que merece ser reconocido en su justa medida. No estamos ante un clásico del rock, pero si que es un disco muy agradable, una pequeña joya con un sonido entrañable y característico de su tiempo. Rock bien hecho en la línea de bandas como Caravan o Traffic, aunque tal vez sin llegar al nivel de éstas. Para aquellos a quienes guste lo que estaba sucediendo en la música británica a finales de los sesenta y principios de los setenta.

En este segundo y último trabajo de Cressida podemos encontrar temas como Asylum, la genial y encantadora Munich (para mí la mejor y sólo por el lujo de escucharla ya vale la pena hacerse con este disco), la relajante Lisa, uno de los temas más elaborados y sorprendentes del álbum o la humorística, con un cierto aire entre jazz y pop, Goodbye Post Office Tower Goodbye. También encontraremos genialidades como Summer Weekend Of A Lifetime y Let Them Come When They Will, que aportan la frescura al final de un álbum en el que destaca, por encima de todo, el saber hacer tanto del órgano hammond de Peter Jennings, como de la fantástica guitarra de John Culley, sin menospreciar por ello la dulce voz de Angus Cullen, que a veces llega a recordar un poco a Paul McCartney. 

Asylum, Cressida (1970) álbum completo





sábado, 16 de noviembre de 2013

Pretty Things - Parachute (1970)



1. Scene One (Phil May, Wally Waller) - 1:51
2. The Good Mr. Square (May, Waller) - 1:27 
3. She Was Tall, She Was High (May, Waller) - 1:36 
4. In the Square (May, Waller) - 1:55 
5. The Letter (May, Waller) - 1:39 
6. Rain (May, Waller) - 2:29 
7. Miss Fay Regrets (May, Waller) - 3:38 
8. Cries From the Midnight Circus (May, Waller) - 6:29 
9. Grass (May, Waller) - 4:21 
10. Sickle Clowns (May, Waller) - 6:36 
11. She's a Lover (May, Waller) - 3:32 
12. What's the Use (May, Waller) - 1:46 
13. Parachute (Norman Smith, May) - 3:52

The Pretty Things
- Phil May / vocalista
- Wally Waller / bajo, voces
- John Povey / teclados, voces
- Vic Unitt / guitarra
- Skip Alan / batería, voces
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The Pretty Things fueron uno de esos fantásticos grupos que, tras brillar en el circuito de R&B londindense de los años 60, supieron evolucionar de manera creativa hacia sonidos psicodélicos de entidad, dejando para la posteridad uno de los grandes discos del estilo psicodélico y la primera ópera-rock de la historia, “S. F. Sorrow” (1968), anterior a Tommy de The Who, aunque muchos les acusasen de plagiar precisamente a The Who.
Iniciaron su andadura en la Inglaterra de comienzos de los 60 y liderados por Dick Taylor, el ex componente de unos primerizos Rolling Stones, que tras dejar a su antigua banda se unió como guitarrista al cantante y armonicista Phil May, al guitarrista rítmico Brian Pendleton, al bajista John Stax y al batería Viv Prince.
Su obra maestra editada por Columbia, “S. F. Sorrow” (1968), era un álbum muy ambicioso y con una clara inspiración en los Beatles de Sgt. Peppers. La continuación de “S. F. Sorrow” sería otro sobresaliente disco a pesar de la marcha de Dick Taylor, “Parachute” (1970), un LP esta vez con una influencia más variada, en la que aún se adivina la banda de Liverpool, pero también tendencias más fuertes, como podrían ser los Who. Fue editado por el sello Harvest y presentado con el single  “The good Mr. Square”, escrito entre Phil May y Wally Allen. 
Otros singles interesantes de este período, que no se encuentran en el LP original pero sí en las reediciones en CD, son 'October 26' y 'Stone-hearted Mama'. En el disco, y aunque no se menciona mucho en los créditos, también participó el guitarrista Peter Tolson. 


Uno de los discos que más me sorprendió por su enorme calidad fue precisamente esta joya de la que me he quedado totalmente prendado y de la que tengo noticias desde hace tan sólo un año escaso. Hasta el punto de preguntarme como un álbum semejante puede no ser un clásico del rock de los setenta. De hecho lo es, aunque uno de esos que se encuentran enterrados. Parachute fue publicado en 1970, justo después de otra genialidad de The Pretty Things como SF Sorrow (en el que Pete Townshed declaró haberse inspirado para crear Tommy). Era el quinto álbum de la banda y los comentarios de los críticos y de la mayoría de las revistas especializadas fueron muy positivas. La banda recibió alabanzas por este trabajo que con el paso del tiempo ha sido aún mejor considerado. En 1975 la revista Rolling Stone lo calificó como uno de los mejores discos publicados en los setenta (el mejor de 1970) y al que definió como un "clásico subterráneo".

Los músicos que participaron en la grabación de Parachute fueron Phil May, Wally Waller, John Povey, Vic Unitt y Skip Alan. Así pues, este es el primer álbum de la banda sin Dick Taylor.

Este es pues un disco increíble, y al tiempo que adoro SF Sorrow, como el disco atrevido y la joya de la música psicodélica que es, creo que Parachute es un álbum mejor, más complejo y con unos temas más dinámicos y de composición mejor desarrollada. La sección rítmica intimida, resulta apabullante, las voces son perfectas y en su sitio, al igual que las guitarras, a veces pueden resultar como un cóctel explosivo de The Beatles y otras de The Who, pero siempre manteniendo la personalidad única de The Pretty Things, con su sonido bello, electrizante y desgarrador. 

Aunque pueda parecer un disco conceptual por el flujo de las composiciones, no lo es. Es una gema acústica repleta de temas espectaculares y esenciales para cualquier fan de la música rock. Si aún no has tenido la suerte de escuchar y disfrutar este álbum y eres uno de esos fans de la mejor música rock, aquí tienes una de esas joyas que debería estar al lado de tus discos favoritos.



The Pretty Things - Parachute (1970) álbum completo



martes, 12 de noviembre de 2013

Pink Floyd - The Piper At The Gates Of Dawn (1967)

Álbum de estudio, editado en 1967

Temas:
1. Astronomy Domine (4:12)
2. Lucifer Sam (3:07)
3. Matilda Mother (3:08)
4. Flaming (2:46)
5. Pow R. Toc H. (4:26)
6. Take Up Thy Stethoscope And Walk (3:05)
7. Interstellar Overdrive (9:41)
8. The Gnome (2:13)
9. Chapter 24 (3:42)
10. Scarecrow (2:11)
11. Bike (3:21)

Duración: 41:52


Pink Floyd

- Syd Barrett / guitarra, voces
- Nick Mason / batería
- Roger Waters / bajo, voces
- Richard Wright / órgano, piano

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Pink Floyd se formó a finales de 1965, con Roger Keith (Syd) Barrett, George Roger Waters, Richard Wright y Nicholas Mason. Syd Barrett, Roger Waters y un amigo de éstos (que casualmente enseñó a tocar la guitarra a Syd) llamado David Gilmour, provenían de la escuela superior de Cambridge. Tras abandonar Cambridge Barrett se dedicaba a intentar pintar en la escuela de arte de Camberwell (Londres), al mismo tiempo que aprendía a tocar la guitarra de la mano de Gilmour. Por otra parte Roger Waters también se había cambiado de aires a Londres, donde cursaba arquitectura. Allí conoció a Nick Mason y Rick Wright: los tres descubrieron que tenían muchas cosas en común, entre ellas la música. Formaron una banda llamada 'Sigma 6', con un Wright que ya tocaba el armonio, el piano, el clavicémbalo y el violonchelo. Mason además de ser un buen timpanista, tenía dinero para adquirir el material que el grupo necesitaba. Tras varios nombres distintos los tres (con Waters como bajo eléctrico, Wright a los teclados y Mason a la batería) reclutaron un guitarrrista de jazz llamado Bob Klose, además de Syd Barrett, amigo de Waters.

El grupo se llamó Pink Floyd Sound (idea de Barrett, que recortarían después a Pink Floyd) y fue el resultado de unir los nombres de dos bluesmen, Pink Anderson y Floyd Council. Bob Klose abandonaría el grupo debido a sus ideas musicales totalmente opuestas a las de Barrett, quedando éste como único guitarrista del grupo. Obtuvieron contrato para tocar todos los sábados en el Marquee, en una serie de actuaciones bautizadas con el nombre de 'Spontaneous Underground'. Realizaban una especie de rythmn and blues con partes instrumentales donde experimentaban con nuevos sonidos y texturas, apoyándose en el feedback (distorsión) de los nuevos amplificadores. Conocieron a Joel y Toni Brown, dos americanos vinculados al movimiento psicodélico californiano, y juntos crearon un rudimentario sistema de luces y proyecciones a color para sus actuaciones. De este modo se labraron una gran reputación dentro del movimiento underground y psicodélico.

Publicaron su primer single, Arnold Layne, con Columbia (Emi). Este primer tema narraba las andanzas de un muchacho que se dedicaba a robar lencería femenina. La canción fue considerada obscena y prohibida en muchas emisoras de radio. Mientras tanto siguieron experimentando con el sonido en sus actuaciones en vivo, instalando altavoces al fondo de las salas y creando una primera versión del sonido cuadrafónico, que sería en adelante característica común de sus actuaciones y su marca de fábrica.



Publican un segundo single en junio de 1967, See Emily Play, que entró en las listas de éxitos y llegó hasta el puesto seis.

En agosto de ese año aparece su primer álbum, The piper at the gates of dawn, título extraído de uno de los textos underground más populares (The Wind in the Willows, de Kenneth Graheme), donde el liderazgo de Syd Barrett sobre el resto resulta evidente, componiendo sólo o en compañía diez de los once temas del álbum, con la excepción de un tema compuesto por Waters. Aquí están dos de los temas más importantes de la primera época de Pink Floyd, Astronomy Domine e Interstellar Overdrive.

En octubre de 1967 Pink Floyd inicia su primera gira por los Estados Unidos, difundiendo la psicodelia británica a un público asombrado que los acogió con fervor. Barrett era el ídolo y el foco de atención, con una presencia en el escenario llevada al límite con la continua ingesta de dosis de LSD. 

El abuso del LSD y el comportamiento excéntrico de Barrett estaba haciendo cada vez más difícil la convivencia con el resto de la banda. Así fue que su precaria salud mental obligó a todos a una decisión difícil. Buscaron (de acuerdo con Barrett) una solución temporal, que fue la entrada de un quinto miembro como su sustituto. De este modo David Gilmour vino providencialmente a salvar la situación, entrando como quinto miembro de la banda y haciéndose cargo de las guitarras, mientras Syd Barrett se recuperaba. Al fin y al cabo todo quedó entre amigos y se suponía que era una solución a corto plazo.

Los Pink Floyd de la era Barrett había sido un grupo de dos caras: por un lado estaba su cara más underground y psicodélica. Por la otra su lado más pop y en apariencia más comercial. Sin embargo Pink Floyd decidió darle la espalda a esta segunda cara, en principio más atractiva y rentable, reservándose totalmente para la creación de álbumes de un tipo más subterráneo y creando ese sonido que ha ido evolucionando con el paso de los años y que han hecho de Pink Floyd una banda rápidamente reconocible y característica.

Pink Floyd en una de sus típicas actuaciones (Astronomy Domine con subtítulos en español)

The Piper at The Gates of Dawn es por méritos propios uno de los discos más importantes de la historia. Fue uno de los discos precursores del movimiento tanto psicodélico como progresivo, aunando experimetación y combinando géneros musicales como el pop, rock y folk. Al principio la crítica fue fría con este disco, pero el paso del tiempo lo ha colocado donde debe estar, entre los grandes discos tanto de Pink Floyd como del rock en general. Algunos comentarios (extraídos de la wiki) sobre este disco nos ayudan a comprenderlo un poco mejor: George Starostin afirmó de él que es "La Biblia Astral de la Psicodelia. Muy jodido, muy prendido. Escúchalo bajo tu propio riesgo". En New Musical Express, sobre la versión de 40 años de aniversario, escribieron que "Incluye dos singles de Barrett, censurados, no incluidos en el álbum original: "Arnold Layne" y "See Emily Play", que son tan buenos como cualquier cosa que los Beatles hayan grabado, mientras 'Arnold Layne' causó furor cuando fue censurada en la radio, ya que sus letras hablaban de un travesti que robaba lencería femenina". Sobre esto, Pitchfork comentó que "Mientras The Beatles ejercían control absoluto en las herramientas del estudio, Pink Floyd usaba el estudio para perder el control". Los mismos también dijeron "Mientras la mayoría de los discos del Verano del Amor eran positivos y unían, Piper era fracturado y terrorífico".


           
Astronomy Domine                                                      Interstellar Overdrive





Syd Barrett y Pink Floyd (Parte 2Parte 3Parte 4, Parte 5)



jueves, 7 de noviembre de 2013

Frank Zappa - The Grand Wazoo (1972)




Álbum de estudio editado en 1972

Edición en vinilo:
1. For Calvin (And His Next Two Hitch-Hikers) (6:06)
2. The Grand Wazoo (13:20)
3. Cletus Awreetus-Awrightus (2:57)
4. Eat That Question (6:42)
5. Blessed Relief (8:00)

Duración: 37:03

Edición en CD:
1. The Grand Wazoo (13:20)
2. For Calvin (And His Next Two Hitch-Hikers) (6:06)
3. Cletus Awreetus-Awrightus (2:57)
4. Eat That Question (6:42)
5. Blessed Relief (8:00)

Duración: 37:03



La primera vez que me senté a escuchar un disco de Frank Zappa no sentía mucho interés por el jazz ni por el jazz rock y no sé que esperaba encontrarme, pero no me gustó. Mi error fue no escucharlo pacientemente y pasear la aguja de tema en tema hasta que volví a guardar el disco en la carpeta. Y ahí se volvió a quedar durante años. 

Sin embargo con el paso del tiempo aprendí a tomarle el gusto (demasiado) y para mí este es uno de los mejores discos de Zappa. Tal vez para iniciarse en el universo musical de este genio sea mejor su trabajo más conocido, Hot Rats, pero ahora mismo siento una especial predilección por este fantástico álbum. Aquí nos encontramos con uno de los trabajos más jazzísticos de Zappa y con una numerosa banda repleta de músicos prodigiosos que bordan uno de los mejores discos de la época. Presenta una alineación de 21 músicos, muchos de los cuales nunca más volverían a tocar junto a Zappa. 

Un extra es el texto que cuenta la historia de esos dos ejércitos que en Roma combatían cada lunes, uno de ellos comandado por Cletus Awreetus. El texto incluido en el disco, pleno de humor, acude al rigor científico aportando datos irrelevantes que detallan hechos ficticios al grado de convertirlos en ciertos. Esta técnica narrativa hace de la obra una verdadera experiencia conceptual y ha influido en alumnos de Zappa, como F. Steel, para desconcertar y enfurecer a algunos oyentes. Algunos estudiosos dicen que Zappa narra en este disco la batalla de Gargantúa y Picrocle, basándose en la tradición oral francesa que asegura que en esa batalla se usaron instrumentos musicales en vez de armas, tal como se aprecia en la portada, una ilustración de Cal Schenkel.


Como decía, 'The Grand Wazoo' es un excelente ejercicio de jazz rock interpretado por una big band un tanto atípica. La música fluye entre texturas puramente orquestales y grandes adornos, donde predominan los instrumentos de viento, con otros mucho más típicos del jazz rock de guitarras duras, baterías pesadas y bajos eléctricos. El ritmo sobre el que la música se va construyendo es prácticamente el mismo de principio a fin, pero las distintas variaciones que lo envuelven le dan la variedad necesaria. 'For Calvin' es tal vez el tema más excitante y en él se incluyen, seguramente, los mejores momentos del álbum. Un blues con un extraño canto inicial que irá desembocando en un jazz disonante y cercano al free jazz, pero manteniendo siempre la coherencia dentro de una cierta complejidad. 'Cletus Awreetus-Awrightus' es otro número clásico de jazz de esta big band atípica, tres minutos intensos y extravagantes. 'Eat That Question', una exploración de las tendencias mas duras del jazz rock y otro de los mejores temas de este álbum. 'Blessed Relief' finaliza el disco y lo hace con un sonido mucho más relajado, con suaves melodías. Así pues una obra maestra de Frank Zappa, y como casi todos sus discos, para escuchar con la mente abierta y no apto para incursiones desprevenidas.




Frank Zappa - The Grand Wazoo (1972)  Completo






Frank Zappa Live- Cosmik Debris, del álbum Apostrophe



Frank Zappa - Live in Stockholm 1973 - 



La guerra del volumen




¿Suena mejor un CD que un vinilo? Depende. Normalmente y si se aprovechasen al máximo las posibilidades que cada formato ofrece, un CD sonaría mucho mejor que un vinilo. Pero no es así. Y ¿por qué? Creo que este tema interesa a mucha gente (o debería interesarles) que disfruta de la música. También trata de ofrecer una explicación a la tontería de las remasterizaciones sin ton ni son. Y es que la inmensa mayoría de remasterizaciones digitales, lo único que consiguen es deteriorar cada vez más el sonido de un disco. ¿Porqué suena cada vez peor la música? La explicación que viene a continuación está extraída de diversos artículos de la red, sobre todo del blog TodoVinilo.

A veces uno se asombra de que discos de vinilo de los años 50 y 60 como por ejemplo las grabaciones de Blue Note (y eso que contienen cierta compresión) suenen tan bien como lo hacen. Y es que el secreto está en la forma en que se graban, y no en si es un vinilo o un CD. Importa mucho más la calidad de la grabación que el soporte sobre el que se graba.

La música que escuchamos hoy en día no es nada más que ruido con ritmo. Y esto no es así porque la música sea mala. Es así porque carece de rango dinámico. A continuación leeréis un texto escrito por Bob Speer. Una lectura totalmente recomendada para quien se sienta amante de la música y disfrute de ella más allá del simple acompañamiento musical. Pero, ¿qué es el rango dinámico?

Rango dinámico es la diferencia entre los sonidos más suaves y los más fuertes que podemos oir. O, por decirlo de otro modo, es la diferencia entre los sonidos más leves y más potentes en una grabación. El rango dinámico se mide en decibelios (dB). El rango dinámico típico para una grabación de cassette está alrededor de los 60 dB, mientras que en las grabaciones digitales actuales (CDs) puede alcanzarse un rango dinámico de 96 dB. Comparad esto con los 120 dB o más que se dan en las actuaciones en vivo. Cuando la música no tiene rango dinámico, pierde la pegada, la emoción y la claridad. Durante años, hemos intentado recrear las emociones de una actuación en vivo, intentando mantener un rango dinámico lo más amplio posible. Esto siempre ha sido difícil con la grabación analógica. Teníamos que situar las señales más débiles por encima del umbral de ruido, mientras manteníamos las señales fuertes por debajo del nivel de distorsión. Para evitar que las señales débiles quedasen enterradas en el ruido de cinta, había que grabarlas al mayor nivel posible. Y para evitar la distorsión de las señales fuertes, teníamos que comprimirlas, resultando en un rango dinámico reducido. A medida que pasaron los años, se hicieron muchas mejoras en la tecnología de grabación de cinta. Esto, junto con los sistemas de reducción de ruido, ayudó a mejorar el rango dinámico de las grabaciones, pero todavía existían limitaciones. Un buen día, asistimos al nacimiento de una nueva tecnología, llamada grabación digital. ¡Guau! Ahora, con un rango dinámico superior a 90 dB, nuestras grabaciones podían rivalizar con las actuaciones en directo. Bueno, en teoría. 

La industria musical tenía otros planes. En vez de usar esta nueva tecnología para tomar ventaja de su rango dinámico, la industria musical fue en la dirección opuesta. Decidieron que "más alto es mejor". De repente, nos encontramos en una carrera para ver qué CD sonaba más alto. Y la única manera de hacer que los CDs sonasen más alto era comprimir la señal más y más. Y aquí es donde estamos hoy. Todo el mundo intenta hacer que su CD suene más alto que ningún otro. La palabra que se utiliza para este proceso es "hot" (caliente). Sí, la música de hoy se graba "hot". El resultado neto: ruido con ritmo. 



 Nuestra música hoy en día no tiene vida. No hay emoción ni textura, y sin duda no hay razones para comprarla. Los jóvenes aceptan este sonido "hot" porque es todo lo que conocen. No se les ha mostrado la música que suena realmente "musical". No puedo creer lo que hemos hecho a nuestra música; de algún modo hemos permitido que la radio, con su respuesta en frecuencia y rango dinámico limitados, se haya convertido en el modelo de cómo deben sonar las cosas. Queremos que los CDs que compramos suenen como en la radio. ¿Qué ha pasado con la recreación de las emociones de un concierto en vivo? ¿Es posible que hayamos avanzado en tecnología, yendo hacia atrás en nuestra forma de pensar? No necesitamos tecnología digital para crear el sonido "hot"; podríamos haberlo hecho con las grabaciones analógicas, igual de fácil. 





Y para terminar un pequeño repaso al CD desde los 80 hasta la actualidad por medio de los discos de Iron Maiden. Se puede observar cómo a finales de los 90 la compresión comienza a ser excesiva, la nitidez, brillantez y detalle de los discos ochenteros no tiene nada que ver con la engorrosa producción de sus últimas obras.

Este vídeo explica (aunque en inglés todo queda bien claro) que es lo que se hace en las actuales remasterizaciones y porqué parecen sonar mejor. Aunque la verdad es bien distinta.



Extracto del blog de Stormy Mondays que nos detalla el problema y engaño de las remasterizaciones.

Si deseas más información sobre el tema puedes ojearlo en la wikipedia, aquí.





lunes, 4 de noviembre de 2013

Jethro Tull - Thick as a Brick (1972)




Cara A
"Thick as a Brick, Part I" 22:40

1. Really Don't Mind / See There a Son Is Born
2. The Poet and the Painter
3. What Do You Do When the Old Man's Gone? / From the Upper Class
4. You Curl Your Toes in Fun / Childhood Heroes / Stabs InstrumentalCara B

Cara B
"Thick as a Brick, Part II" 21:06

5. See There a Man Is Born / Clear White Circles
6. Legends and Believe in the Day
7. Tales of Your Life
8. Childhood Heroes Reprise


Jethro Tull:
Ian Anderson - flauta, guitarra acústica, vocalista, violín, saxofón, trompeta
Martin Barre - guitarra eléctrica, laúd
Barriemore Barlow - percusión, timbales
John Evan - piano, órgano Hammond, clave
Jeffrey Hammond - bajo, voces






Aqualung y Benefit habían sido en cierto modo una pequeña concesión a la música que algunos miembros de la banda querían tocar. Tanto Martin Barre como Clive Bunker estaban escuchando la música de Mountain, Led Zeppelin o Cream. Ian Anderson tenía muy claro que no iba a tomar esa senda, entre otras cosas porque la competencia ahí era muy dura, además de que el afán por la experimentación, por el folk y por la música acústica le empujaba en otra dirección. Aunque siempre había huido de las etiquetas, Anderson empezaba a encontrar atractiva la idea de volcarse en el mundo del rock progresivo y de los discos conceptuales. Todo el mundo parecía querer un disco conceptual, hasta el punto de señalar a Aqualung como un disco concepto. Nada más lejos de la verdad según el propio Ian Anderson; sí que podía existir un vínculo entre algunas canciones de Aqualung, pero eso había sido algo casual y sin premeditar, si debemos creernos lo que él dijo, claro.



Así fue que Ian Anderson decidió dar a todos lo que querían, pero lo hizo con el humor que le caracterizaba. Thick as a Brick fue una sátira a esos discos pomposos y progresivos que aquí siempre conocimos como rock sinfónico. Los discos conceptuales estaban de moda, la discográfica pedía un disco así a la banda y Ian Anderson, que adoraba el humor de Monty Python, decidió darle al público lo que estaban pidiendo a gritos. Creó medio en broma medio en serio un disco que pilló desprevenidos tanto a los críticos como a los fans. Un ejercicio humorístico a medio camino entre el virtuosismo del jazz, el hard rock y el rock progresivo. Una demostración de la calidad musical y teatral (también en sus actuaciones en directo) de lo que la banda era capaz de crear. 



Y para lograrlo había venido confeccionando una banda a su imagen y semejanza, aunque para ello habría de dejar en el camino a compañeros de fatigas desde los primeros tiempos de Jethro Tull, como Mick Abrahams, Glen Cornick y Clive Bunker. En otras palabras, se rodeó de sus amigos de siempre, amigos en quienes poder confiar. Si nos fijamos atentamente vemos que la formación de esta etapa de Jethro Tull es casi la misma que la que formaron en sus años adolescente The Blades. Y es que la traición (en tiempos de This Was) que estuvo a punto de marginarle en su propio grupo y dar el liderazgo a Abrahams, marcaría a Ian Anderson hasta el punto de asegurarse bien de que Jethro Tull era y sería su banda y su proyecto, llegando a elegir a los miembros de la banda más por su carácter y forma de ser, que por sus cualidades como músicos. No hay más que ver la sustitución de un bajista genial como era Glen Cornick, por otro bajista tirando de mediocre a malo (aunque con el tiempo mejoraría bastante su técnica) como era su amigo de toda la vida, Jeffrey Hammond. Sin embargo la sustitución de Clive Bunker por Barriemore Barlow (otro amigo de juventud) fue mucho más acertada. Aún así la mayoría de fans estarían de acuerdo en que la mejor formación que tuvo Jethro Tull fue precisamente ésta, bajo la que se editaron joyas como el propio Thick as a Brick, A Passion Play, Warchild y Minstrell in the Gallery (sin olvidar la cuarta cara del Living in the Past).


En el libro “El Faro de Aqualung” (de Vicente Alvarez), se establece una analogía totalmente acertada y que comparto. Y es que Thick As A Brick sería al rock progresivo, lo mismo que El Quijote a los libros de caballerías.

Thick as a brick no es sólo una canción que ocupa dos caras de un disco. Son muchas canciones hábilmente unidas que comparten una cierta estructura común. Eso es lo que la hace fácil de escuchar y de asimilar. Su letra, aunque ambigua tiene un innegable humor que además la hace divertida. Y todo ello presentado en un envoltorio perfecto, un periódico creado por los miembros de la banda y que les llevó más tiempo de recrear que el propio disco, que se grabó en tan sólo dos semanas, tal como recuerda Ian Anderson: "Yo llegaba con una idea básica. Entonces la tocaba con la guitarra acústica o se la comentaba a los chicos en términos de progresión de acordes. A veces yo tenía una idea incompleta o dudosa, pero hacía ver a los demás que estaba bien y que podía funcionar. Hasta que no veía la reacción del grupo no decidía el camino a seguir. Otras veces ellos tenían sus propias ideas sobre cómo se podían hacer los arreglos. Así es como se suponía que tenía que ser: una mezcla de aportaciones de gente distinta". Una mezcla de aportaciones de toda la banda, así es como se logró facturar esta obra maestra.

Ya en primera plana podemos ver al supuesto autor de la letra, Gerald Bostock, acompañado de sus estrafalarios progenitores y de una adolescente un poco subida de tono, que pretende que el niño que espera en su vientre es hijo del pequeño Bostock, un genio de tan solo ocho años, a quien para colmo de males la sociedad literaria que promociona el concurso, SLAG (escoria), le  ha descalificado y le quitan el premio concedido por su poema, como consecuencia de las quejas recibidas y de su precaria salud mental. Única explicación para la aberración que ha escrito, el poema Thick as a Brick. El resto del periódico es un cúmulo de bromas en la más pura línea Monty Python, con los miembros de la banda como protagonistas de la mayoría de ellas.

Aquí podemos leer en castellano e ingés la letra del poema.

Evidentemente Gerald Bostock no existe, es otro de esos personajes tras los que Ian Anderson se escudó para dar rienda suelta a su imaginación, del mismo modo que lo fueron Aqualung antes y lo serían Ray Lomas en Too Old To Rock'n'roll Too Young To Die. La faceta teatral y humorística del grupo aparece por todas partes ya, desde la música y la letra hasta el envoltorio. Y aparecería también en la gira de presentación del Thick as a Brick. Gira de la que por desgracia aún no ha aparecido ningún video que merezca la pena publicar, pero sí algún que otro material de interés que circula por la red y por Youtube (eso sí, con una calidad pésima de imagen y sonido).

Thick as a Brick, 1976, Subtitulado


Wolverhampton Live Bootleg (1972)

Para muchos fans Thick as a Brick es el mejor disco de Jethro Tull. Durante mucho tiempo he pensado del mismo modo y mis preferencias parecían inclinarse cuando hacia el Thick as a Brick cuando hacia el Aqualung. Pero con el tiempo cada vez he empezado a ver Aqualung como un álbum mucho más completo y más logrado, un disco más crudo y auténtico, sin la pompa que a veces hace del Thick as a Brick un disco un poco artificial, aunque no tanto como lo llegaría a ser el incomprendido A Passion Play, su tercer gran obra maestra, que sería vapuleada sin piedad y de un modo demasiado injusto por la crítica, pero eso es otra historia.




Temas del bootleg Wolverhampton Live (1972)


Creo que el mejor modo de conocer un poco más el Thick as a Brick es escuchar también (aunque sea en mala calidad merece la pena) alguno de los conciertos que se tocaron durante la gira de presentación del álbum, allá por 1972. Así que aquí va esta joya, Live at the Wolverhampton Civic Hall, perteneciente al tour de presentación del Thick as a Brick. (Enlace al bootleg).






__________: Creando el disco :__________


Creando el Thick as a Brick, parte 1




Creando el Thick as a Brick, parte 2

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 Thick as a Brick (edición 40 aniversario)                   Wolverhampton bootleg, disc 1, 1972   

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